Mestre, Maestro, Andre Matos

Hoje, infelizmente, faleceu um dos maiores vocalistas e músicos mundiais, o brasileiro Andre Matos. Quando soube, nem acreditei, pois o havia visto ao vivo no domingo passado, com o Shaman e o Avantasia, duas de minhas bandas preferidas. Ao todo, pessoalmente, pude assistir aos seus shows cinco vezes: duas em carreira solo, duas com o Shaman e uma com o Viper. Três dessas (inclusive a última, há seis dias), aliás, presenciei sozinho, sem companhia de amigos, tamanha admiração, vontade e gosto que tenho por sua obra.

Conheci o seu trabalho quando eu ainda estava descobrindo o Metal, em 2009, gênero que viria a se tornar o meu preferido, e desde então passei a ouvi-lo diariamente, seja com o Viper, o Angra, o Shaman, o Virgo, a carreira solo, o Symfonia, o Avantasia ou outros projetos, nacionais e internacionais.

A primeira letra de música em inglês que decorei foi "Time", do Angra, e é com um trecho dela que encerro esta mísera publicação, posto que as palavras de suas letras, aliadas ao som que o Mestre, o Maestro do Metal, ajudou a criar, ao contrário do que escrevo, continuarão a ser lidas, ouvidas e cantadas: "Life makes us feel the time we cannot hold / Time makes us live a tale already told".

Sim, a vida nos faz sentir o tempo que não conseguimos segurar, tempo que, por sua vez, nos faz viver um conto já contado. Não dará mais para ver o ídolo ao vivo, mas eu continuarei a apreciar e a recomendar a sua obra a todos, ao mesmo tempo em que contarei e recontarei as minhas boas experiências a quem estiver disposto.

R.I.P.

Voltas e idas

“Aniversário”, etimologicamente, “Aquilo que volta todos os anos”. Por isso, cá estou escrevendo mais um texto sobre esta data que não pode passar batida, na verdade, como nenhum outro momento do dia, da semana, do mês, da vida, pois, como escreveu Marina Colasanti: “Sou meio impaciente / a vida é um prato / que se come quente.” (2013, n.p.). Não se pode deixar esfriar o momento.

Leio, utilizo e tento escrever poesia (às vezes, em prosa...), portanto, para não deixar não só a data, mas a minha existência passar em branco, pois “Não morre aquele / que deixou na terra / a melodia do seu cântico / na música de seus versos.” (CORALINA, 2008, p. 239); versos de uma arte que, muitas vezes, “nem mesmo / codifica a luz do dia, / mas que a alma intensifica, / já que a vida é passageira, / mas a poesia fica!” (FRANCO, 2017, p. 46).

Não gosto nem desejo frios parabéns de desconhecidos ausentes-presentes, artifícios de pessoas de relações super e artificiais. Carlos Drummond de Andrade tem um poema chamado “Idade madura”, penso não estar nela ainda — e talvez nunca estarei —, mas concordo que “Já não quero palavras / nem delas careço.” (2010, p. 39). Quero criar realidades e gravar memórias que viverão para sempre: “eterno é tudo aquilo que vive uma fração de segundo / mas com tamanha intensidade que se petrifica e nenhuma força o resgata (DRUMMOND, 2010, p. 301).

Para isso, não é preciso esperar pelo aniversário; e nesse, como já disse em outras oportunidades, todavia não com estas próximas palavras, é necessário que se “Vença o ideal de andar caminhos planos” (MORAES, 2009, p. 271). Sim, a vida não é plana, está “sempre dividida / Entre compensações e desenganos.” (idem, ibidem), o que não é perfeito, claro, posto que perfeito, até pela origem da palavra, significa algo “feito completamente”, efeito que não se aplica ao ser-humano, que está sempre em construção, desconstrução, reconstrução etc.

Daqui a um tempo, desconstruído e reconstruído de novo, quero acreditar que meu eu do amanhã conversará com meus outros eus sobre o nosso futuro presente e juntos possivelmente pensaremos: “Velho, saca só esse moleque! / Fazendo seu caminho pelo mundo / Cada vez que volta / Tá cada vez mais longe / Cada vez mais.” (GESSINGER, 2013). Quem sabe. Espero. Tentarei.

REFERÊNCIAS

ANDRADE, Carlos Drummond de. Antologia Poética. 65. ed. Rio de Janeiro: Record, 2010.

COLASANTI, Marina; GRILO, Rubem. Classificados e nem tanto. 5. ed. Rio de Janeiro: Galerinha Record, 2013.

CORALINA, Cora. Melhores poemas. 3. ed. São Paulo: Global, 2008. (Coleção Melhores Poemas)

FRANCO, Paulo. A Rua dos Dias. São Paulo: Scortecci, 2017.

GESSINGER, Humberto. Segura a onda, DG. Disponível em:

<https://www.youtube.com/watch?v=7rHPkSmNiwo>. Acesso em: 18 maio. 2019.

MORAES, Vinicius de. Antologia poética. São Paulo: Companhia das Letras, 2009.

Breve comentário sobre Otelo, o Mouro de Veneza

Shakespeare viveu no período do Classicismo, uma época em que os artistas buscavam inspiração nos elementos da mitologia greco-romana. Este fato aconteceu por os textos clássicos terem sido publicados em maior escala, por causa da invenção da imprensa, e os pensadores quererem novos ares, até pelo momento de descobrimento de novas terras, povos e culturas, com as navegações.

Sobre os gregos, como se sabe, eles buscavam o ideal, a perfeição, o culto à forma, a padronização, o belo e a racionalização. O teatro era dividido em dois grandes gêneros: Tragédia e Comédia. Otelo (2014) é uma tragédia (final triste que consagra o herói) que possui todos esses tópicos.

A peça se passa, na maior parte do tempo, nas ruas de Veneza (cidade italiana) e em um único momento, num porto de Chipre (ilha do mar Mediterrâneo). A obra narra a história de Otelo, um mouro a serviço de Veneza, um dos homens mais respeitados do exército, e sua esposa Desdêmona, filha de Brabâncio, que é um senador veneziano.

Dentre os servos de Otelo há Iago, um homem cruel, mentiroso, ganancioso e inteligente, mas que usa sua esperteza para o mal. É bom lembrar que a racionalização é um dos elementos valorizados pelos gregos, logo, pelos classicistas. Ao ver que o posto que queria tomar foi assumido por Cássio, que é outro servo de Otelo, Iago deseja se vingar de todos: de Cássio, por ter conseguido o cargo que ele queria; de Otelo, por ser negro, estrangeiro, casado com uma das mais belas mulheres locais e por desconfiar de que o mouro tenha dormido com sua esposa,  Emília; e de Desdêmona, por deseja-la e ela ter aceitado se casar com Otelo.

Utilizando-se de toda sua capacidade argumentativa e persuasiva, Iago engana todos, fazendo com que Otelo despeça Cássio de seu cargo (por causa de uma briga arranjada com outro servo de Iago); depois, faz com que Otelo desconfie de que Cássio possua um relacionamento extraconjugal com sua mulher, Desdêmona. E após mais armações de Iago, Otelo termina louco de ciúme e mata sua própria esposa.

A obra é dividida em cinco atos e quinze cenas. Nela, são apresentadas algumas formas de preconceito, uma crise política e visões (algumas, distorcidas) sobre honra, traição e amor.

Sobre o preconceito presente na peça, é possível destacar o racial, o religioso e o xenofóbico. Como se sabe, a Inglaterra é uma ilha, portanto, um lugar isolado dos outros países europeus. Isso é refletido na sua literatura, na qual, muitas vezes, quando aparece algum estrangeiro, é observado com maus olhos e desconfiança. É o caso de Otelo, que não é bem visto por Iago e outros personagens, por ter vindo de fora (a raiva de Iago por Cássio também é justificada com esse argumento: Cássio subiu de cargo e era florentino, enquanto ele, veneziano, continuou no que estava).

O preconceito racial, por sua vez, é presente em quase toda a obra. É fácil encontrar trechos em que outros personagens zombam de Otelo por causa de sua cor, mesmo que ele seja de uma classe superior: “Iago – (...) Neste momento, um carneiro velho e preto está cobrindo sua ovelhinha branca.” (p. 23). Nota-se, nesse trecho e em vários outros, a comparação de Otelo aos animais. Quando Iago profere essas frases de cunho erótico, essa analogia é frequente.

O preconceito religioso também é percebido nas falas de Otelo: “(...) eu agarrei o cão peçonhento circuncidado pelo pescoço e o apunhalei assim” (p. 191). A circuncisão é uma operação que retira parte do prepúcio do corpo masculino. Esse tipo de cirurgia é feito pelos judeus para serem confirmados na religião. No Novo e no Velho Testamentos, sempre que é usado o termo “circuncidado”, faz-se referência aos judeus. Há outros momentos em Otelo nos quais Iago faz comparações do cristianismo com outras religiões, sempre rebaixando-as. Dialeticamente, por ser escrita no período do Classicismo, há várias expressões exaltando alguns deuses mitológicos ao mesmo tempo em que o Deus cristão é citado.

No campo social, a peça demonstra haver certa instabilidade e crise política no país. Em um trecho, Brabâncio (pai de Desdêmona) xinga Iago de “canalha”, ao que este devolve, ironizando, chamando-o de “senador”: “Brabâncio – Você é um canalha. / Iago – E você um senador!” (p. 17). Além disso, há conversas de alguns personagens sobre uma guerra e ameaça do Império Otomano.

Ademais, a obra demonstra algumas questões sobre amor e traição: o que é o amor? Do que ele é capaz? Quando o sentimento deixa de ser amor e torna-se ciúme? Até que ponto o ciúme (representado por Otelo) pode chegar? Qual o preço por uma traição?

Claro que são perguntas subjetivas, mas na obra elas possuem muito peso, chegando ao ponto de haver mortes (de inocentes!), segundo alguns personagens, “por uma questão de honra”, que na verdade é vista através de uma concepção patriarcal, a qual o homem sempre manda na família e na mulher.

As mulheres, por sua vez, nem podiam encenar na época de Shakespeare, então, eram representadas por homens vestidos como mulheres. Na obra, há três personagens femininas: Desdêmona (que representa a mulher ideal — para os padrões gregos), Emília (mulher de Iago) e Bianca (uma prostituta). Cada uma representa uma classe social diferente, respectivamente: aristocracia, "classe média" e baixa. Embora sejam de camadas sociais distintas, todas são submissas aos seus maridos (no caso de Bianca, ao seu amante Cássio).

Em suma, Otelo continua sendo uma história atual neste mundo violento, ciumento, ganancioso, preconceituoso, racista e ainda machista. Os temas discutidos por Shakespeare são universais, por isso é um autor que está sempre em voga.

REFERÊNCIAS

SHAKESPEARE, William. A tragédia de Otelo: o Mouro de Veneza. Tradução de Marilise Rezende Bertin. São Paulo: Matin Claret, 2014. (Coleção A obra-prima de cada autor, v. 123).

Presidente, o jogo

Os jogos podem refletir a nossa realidade ou as nossas vontades; o xadrez, por exemplo, demonstra um pouco de como era a Idade Média e suas hierarquias, com torres de castelos, cavalos e bispos; a limitação dos peões, trabalhadores comuns, que estão sempre à frente das outras peças, prontos para serem sacrificados, e que só podem andar uma casa por vez, somente para frente ou, em caso único de captura de outras peças, em diagonal; a liberdade de movimentação da rainha e toda a estratégia para defender o rei etc. Desconfio até da ordem de jogada no início da partida (embora isso não seja uma real desvantagem, dependendo do jogador): primeiro, as brancas; por último, as pretas. Tudo é simbólico.

Mais moderno, geralmente jogado por crianças (criado talvez para incentivá-las a esse contexto), é o Banco Imobiliário, fruto e reflexão de uma realidade não mais medieval, mas capitalista, burguesa. O nome do jogo em inglês mostra bem o seu objetivo: Monopoly. Significativo.

Desconhecido, há um jogo de baralho chamado “Presidente”. Descobri-o em 2007, através de um amigo que, por sua vez, aprendeu-o com os colegas da irmã mais velha, o que revela certa idade de existência da brincadeira. As regras são simples:

- Todas as cartas do baralho devem ser distribuídas entre os jogadores.

- O objetivo é acabar com as cartas que estão na mão;

- A ordem é: 3 é mais fraco que o 4, que é inferior ao 5, que perde para o 6, que é derrotado pelo 7, que é vencido pelo 8, que é batido pelo 9 etc. Em resumo, a carta mais forte é o 2, enquanto a mais fraca é o 3.

- Se alguém jogar um par, um trio ou um conjunto maior de cartas iguais (cinco oitos, por exemplo) na rodada, só pode ser vencido por outro jogador que lançar a mesma quantidade de cartas de valor maior do que o já posto na mesa (por exemplo, cinco damas).

- Se ninguém conseguir superar a jogada, quem a fez, isto é, o último a jogar, iniciará uma nova rodada.

Por fim, os títulos simbólicos:

- Quem acabar primeiro com as cartas que tem na mão vira o Presidente;

- O segundo a terminar as suas cartas torna-se o Vice-Presidente;

- O terceiro é chamado de Nada.

- O penúltimo a finalizar suas cartas é o Vice-Cu.

- O último, o maior perdedor, é o Cu.

- Quanto mais jogadores existirem, mais Nadas existirão.

Postos os cargos de cada um, na próxima rodada, começa a violência simbólica da vida real dentro do jogo. O Presidente, por exemplo, deve receber as duas melhores cartas do Cu, que, por sua vez, recebe as duas piores cartas do Presidente. Ora, isto nada mais é do que recolhimento de impostos em troca dos piores serviços. Além disso, o Presidente é o primeiro a jogar, descartando as suas piores cartas. Quando a rodada chega ao Cu, o valor já está muito alto, quase impossibilitando o coitado de jogar, já que ele perdeu suas duas melhores cartas antes do início da partida como tributo ao Presidente.

Os Vices, tanto o Vice-Presidente quanto o Vice-Cu, também fazem trocas, mas de apenas uma carta. O primeiro dá a sua pior ao segundo, que lhe dá sua melhor. Novamente, impostos, mas em escala menor.

Os Nadas são a representação da verdadeira elite brasileira. Engana-se quem pensa que quem mandam são os políticos. Não, não. Os Nadas são os burgueses, que não pagam impostos para ninguém, que “estão fora” do sistema, que não têm responsabilidade a cumprir, que podem trocar quantas cartas quiserem entre si, coisa que nenhuma outra posição pode fazer, possuindo, assim, os melhores combos, e que ainda possuem esse nome, “Nada”, como se fossem neutros na partida.

Tudo isso acaba criando um determinismo, também existente na sociedade, que desmistifica a ideia de meritocracia: é muito difícil um Cu, que joga por último (quando tem poder aquisitivo para jogar!), que recebe as duas piores cartas do Presidente, que dá as suas duas melhores ao Chefe do Executivo, subir de posição.

Além desta perpetuação de classes, há um outro elemento que é uma herança na vida do brasileiro: o preconceito, a discriminação a quem tem menos poder. Nesse jogo, todo mundo, expondo os seus anseios que não podem ser realizados no cotidiano, humilha o Cu: xinga-o quando ele demora para entregar as cartas; joga-as ao chão e manda o pobre pegá-las (arrumar tudo é dever dele); faz piadinhas sobre sujeira etc.

Em suma, Presidente é psicologicamente e simbolicamente violentíssimo. Seu inventor é alguém notável! Como todo jogo, ele revela vontades, realidades e problemas sociais. No Brasil, hierarquia política, “toma lá, dá cá”, preconceito e determinismo são coisas comuns; todavia, diz-se também que Deus é brasileiro, então, milagres surgem às vezes. É por isso que pode acontecer que alguém seja Presidente por quatro ou oito anos/rodadas e, por diversos motivos, no outro dia/na outra rodada, vire cu; enquanto alguém que a vida toda foi um cu pode tornar-se Presidente, apesar de, no fundo, continuar sendo um cu que só fala e faz merda. Há sempre os seus cegos seguidores, geralmente cus (a identidade é um conceito interessante), que adoram dizer: “Não ligue. Por favor, inicie o jogo, Presidente...” ou “Nossa, senhor Presidente! Vai deixar passar essa?”.

Tentei, tento e tentarei

Quando eu era criança, não havia esta facilidade de conhecer novas músicas e artistas como há hoje, através da internet, e muito do que nós, menores, ouvíamos, era por influência dos nossos pais, para o bem ou para o mal. Felizmente, o meu caso foi o primeiro, o benéfico.

Lembro-me de quando era pequeno e ouvia músicas que eu não entendia, de diversos artistas (Zé Ramalho, Zé Geraldo, Titãs, Engenheiros do Hawaii, Paralamas do Sucesso, Roberto Carlos, Luiz Gonzaga, Fagner etc.), tanto por causa da pronúncia rápida dos intérpretes, quanto pelas metáforas utilizadas nas letras; todavia, ainda assim, sentia-me atraído por elas. O cantor que eu mais gostava era o Raul Seixas; não o compreendia, mas tentava.

Aqui, em casa, havia uma coletânea com vários sucessos do Maluco Beleza, eu escutava-a todos os dias e gostava principalmente de uma canção de melodia triste, mas que, curiosamente, me deixava alegre e esperançoso: Tente outra vez. Diferente das outras letras, essa era simples, eu conseguia entender quase tudo, o que era mais do que “apenas” sentir e seguir o ritmo, embora este e a parte escrita, juntos, motivassem-me a andar (sempre para frente).

Um pouco mais velho, quando eu tinha 12 anos, na sexta série, uma professora, substituta, trouxe uma atividade diferente: no aparelho de som, com um CD (algo que muita gente que nasceu agora desconhece), músicas seriam executadas, e a educadora queria que nós nos movimentássemos conforme o sentimento que surgisse.

Sinceramente, não me lembro das outras canções, apenas tenho vagas lembranças de que algumas eram dançantes, porém, recordo (e este verbo é importante, porque, etimologicamente, ele significa “passar de novo pelo coração”) claramente de que ela, Tente outra vez, foi tocada. Surpreso, feliz, senti-me reconhecido naquele espaço.

Eu sabia que os meus amigos não gostavam do Raulzito, mas durante a execução da música, eles se moveram lentamente pela sala, com os braços abertos, de certa forma, sem sentido, somente porque a professora havia pedido movimentos. Enquanto isso, continuei quieto, apenas ouvindo. Ninguém perguntou o motivo de eu ter ficado parado, mas eu conto aqui, agora: nunca gostei de dançar, sempre acreditei que há canções que não pedem “coreografias”, que a agitação necessária deve ser interna, na mente; e se, na ocasião, eu tivesse sido verdadeiro, teria chorado, porque é o que desejo fazer sempre que ouço tal obra.

Depois, fui até a mestra e perguntei: “Professora, ‘Levante esta mão sedenta e recomece a andar’. ‘Sedenta’ de quê?”, ao que me foi respondido algo que jamais esqueci: “De vitórias”. Esta imagem nunca saiu da minha mente: um punho fechado, pronto para as batalhas da vida; uma forte mão que deseja vencer, que nunca desiste, que sempre tenta outra vez; com ela, termino de escrever estas memórias.

Novos caminhos para os meios de transporte

Redação antiga que encontrei nos meus arquivos:

Novos caminhos para os meios de transporte

Atualmente, um dos maiores problemas urbanos é o de locomoção das pessoas, tanto nos meios de transporte públicos quanto nos privados, pois ambos causam transtornos aos seus usuários e ao meio-ambiente.

A maioria das pessoas utiliza, diariamente, automóveis, trens, metrôs e ônibus; os três últimos, de caráter público, além de terem a passagem cara, a qualidade deles não ser boa, ainda causam desconforto, em consequência da lotação; já os primeiros ocasionam horas de trânsito e problemas de saúde aos habitantes, em consequência da poluição.

Algumas soluções para esses problemas seriam, com o dinheiro dos impostos, a construção de ciclo-faixas, a disponibilização de bicicletas para as pessoas, o investimento em propagandas a favor do uso desse meio de transporte, ou, ainda, a criação de postos de empréstimos de bicicletas, gratuitos ou a um baixo custo, próximos às estações de trens e metrôs, ou das rodoviárias, diminuindo, desta forma, a lotação e a poluição dos meios convencionais, melhorando a saúde dos cidadãos e preservando o meio-ambiente.

Enfim, o problema da locomoção das pessoas nos centros urbanos é grande, mas as soluções para ele são, de certa forma, simples, várias e eficazes, basta apenas os governantes terem boa vontade, visão ecológica, preocupação com o próximo e aplicação correta do dinheiro público, o que deveria ser, de fato e no mínimo, o dever deles.

A besteira do "Não fale mal do meu candidato"

Ninguém gosta de ouvir, ler ou ver que a verdade não está ao nosso lado, mas, pelo contrário, contra nós. Dói. Machuca. As reações, dependendo da pessoa, são diferentes. Alguém inteligente reflete, percebe o erro e busca melhorar a sua opinião sobre os fatos. Os ignorantes são diversos, eles podem parar de falar com quem lhes apresenta visões distintas das suas, ou são capazes de agredir quem lhes corrige, ou ainda, se forem mais infantis, apenas se recusam a ouvir.

Algumas vezes, quando se é criança, esta, orgulhosa, egoísta, idiota, somente para não dar o braço a torcer, tapa os ouvidos, grita ou faz barulho para abafar o som, a fala, a verdade que vem do outro. É uma ação ridícula, sim, todavia não cometida apenas por menores, mas, frequentemente, por adultos, o que demonstra que, em alguns indivíduos, o corpo cresce, mas a mentalidade, não.

Por exemplo, durante os últimos meses do governo de Dilma, muita gente, alegando não querer dar atenção para a corrupção, iniciou o chamado “panelaço”, que nada mais era do que bater panela enquanto a ex-presidente discursava na TV. As pessoas que esse grupo que se dizia “anticorrupção” apoiava, uma a uma, foram acusadas, investigadas e, algumas, condenadas por corrupção. Há uma lista enorme de sujeitos investigados e comprovadamente culpados por diversos crimes, mas que ainda possuem privilégios que não os permitem ser presos. O que o pessoal das panelas fez e faz agora? Nada.

Quando conseguiram o impeachment, inteligentes como são, disseram que o país melhoraria, que se tiraram a Dilma, tirariam o Temer e todos os outros que fossem ruins. Nada disso aconteceu, o país piorou. Muito. Os escândalos de corrupção aumentaram, pouca justiça foi realizada, muita injustiça está sendo praticada e refeita diariamente. O que fez o grupo que vestia verde e amarelo, que gritava, que dançava? Isto mesmo: dançou, mas silenciosamente.

Agora, passado um tempo, com a ascensão de novos candidatos ao cargo de salvadores da pátria, de defensores dos bons costumes e da família, de pseudo-mártires, os ignorantes, tanto no sentido de que desconhecem os fatos, quanto no de que são agressivos, voltaram. Retornaram com uma estratégia que demonstra a sua incompetência. Ao verem o seu mito ser desmistificado, lançaram mão de uma imagem que diz: “Não fale mal do meu candidato. Fale bem do seu e tente me convencer”. Inteligentes, não? Aliás, atenção aos verbos no modo imperativo, que dão ordens: "não fale", "fale", "tente".

É a mesma história dos panelaços, de gente que não quer ouvir, ler (isso é o que menos quer) ou ver a realidade (ou realidades diferentes); é coisa de pessoas que não assumem o erro, que desconhecem que a política é coletiva, que requer diálogo e comprovações a favor ou contra personalidades e ideias; que não sabem que uma das estratégias da dissertação é o contra-argumento; que além da tese há uma antítese, para se chegar à síntese; que desconsideram até mesmo a hipótese de que o outro pode não ter um candidato escolhido para defender ou para falar bem, mas que está apenas avaliando todos e que, no momento, está pontuando as partes negativas do concorrente em questão. É difícil entender isso? Parece que, para eles, mais do que complicado, é impossível.

Desta forma, não adianta enaltecer A ou C, se você já está decididamente cego pelo B.

Breve análise do conto "Cabelos compridos", de Monteiro Lobato

Monteiro Lobato foi um renomado escritor brasileiro, inovador na forma de tratar alguns assuntos, crítico de tabus e problemas da sociedade da época, prosador racionalista e progressista, que olhava para diferentes regiões nacionais e temas sociais, porém, em razão do caráter moralista e didático de suas obras, não pôde ser considerado completamente “modernista” (e nem ele queria sê-lo), apenas “pré-modernista”.

Ora, o Pré-Modernismo é caracterizado por questionar-se mais profundamente sobre o que é, de fato, o brasileiro. Lima Barreto e Euclides da Cunha, por exemplo, mostraram aspectos e tipos de pessoas que os leitores não conheciam, como os negros ou os pobres nordestinos, ou conheciam de forma deturpada (como os sertanejos e os índios idealizados de José de Alencar). Porém, esses escritores também não podem ser considerados “modernistas”, faltava algo a eles: romper com a forma tradicional da escrita realista, ação que só a geração posterior fez.

Como é característica de Monteiro Lobato, suas histórias possuem personagens cômicos, até mesmo ridículos, como acontece no conto Cabelos compridos. A narrativa traz a história de Das Dores, uma mulher que “É feia, desengonçada, é inelegante, é magérrima, não tem seios, nem cadeiras, nem nenhuma rotundidade posterior; é pobre de bens e de espírito”, mas é uma pessoa “boazinha”. A única coisa que a personagem tem mais do que as outras é “cabelo”. O narrador chega até a citar uma frase de Schopenhauer: “Cabelos compridos, ideias curtas”. Essa citação, argumento de autoridade, em tom de piada, demonstra a racionalidade e o humor de Monteiro Lobato, mas que também são características do pré-modernismo.

Além disso, a personagem, Das Dores (e este nome já é significativo), é pobre, uma das classes investigadas pelos pré-modernistas, e representa grande parte da população brasileira, que “só faz tudo que outras fazem e por que as outras o fazem”. É o retrato do povo simples, inculto, que não reflete sobre os próprios atos e, por isso, apenas repete as ações, que se tornam costumes e tradições (muitas, ruins).

É nisto que se concentra o enredo do conto: a protagonista, um dia, vai à missa, e o cônego, dentre tantas coisas que diz e que não são entendidas pelo público — o que já é uma crítica à forma de tratamento e  ao discurso (que, por muito tempo, aliás, era feito em latim!) dos padres —, fala que deve-se refletir sobre cada palavra das orações cotidianas, pois se não o fizesse, seriam palavras em vão. Das Dores, a partir daí, fica pensativa.

Abismada, a protagonista foi falar sobre o assunto com uma tia, que “mastigou em ‘pois é’ que dava toda razão ao padre”. Trecho significativo do conto, porque indica duas ocasiões: a primeira, que Das Dores realmente estava refletindo sobre as palavras do cônego; a segunda, que sua tia não estava dando devida atenção às palavras da sobrinha e muito menos às do padre. Situação dialética.

Característica da maioria dos contos, o tempo segue cronologicamente, portanto, chega a noite, hora de a personagem rezar, coisa que sempre fez, mas agora ela refletiria sobre cada palavra. O espaço, fechado, o que dá mais tensão, é o quarto, somado à noite que, como se sabe, é um momento onde aguçam-se as subjetividades, o que acaba causando conflitos em Das Dores, porque ao pensar numa palavra, associa-a a pessoas, a lugares etc., não conseguindo terminar a oração e concluindo, equivocadamente, justamente por sua ignorância, que o cônego é quem está errado. É o fim do drama do personagem, como pede o gênero conto, sempre ao final.

A narrativa enquadra-se no Pré-modernismo por trazer essa personagem, mulher, feia, desengonçada, pobre, inculta, em suma, marginalizada, para a discussão, para a literatura, pois, antes, pessoas assim eram ignoradas pelo mundo das letras, como se não existissem; além, também, do estilo do conto não romper nenhuma convenção formal.

Monteiro Lobato, satírico e, ao mesmo tempo, com vontade de melhorar progressivamente o país, apontou para essas existências e para outros problemas pragmáticos. O cônego que fala somente para si, já que muita gente não o entendia, com aquela retórica toda, é outro obstáculo: o da comunicação e acessibilidade à linguagem. A tia de Das Dores, Vicência, “velha sabidíssima em mezinhas e teologias”, pode representar conhecedores de religiosidades não-cristãs, que não eram nem mencionados por muitos.

Enfim, o conto é curioso e chega a ser engraçado, em razão das descrições feitas pelo narrador, mas funciona e passa sua mensagem principal, mesmo que ao avesso: é por levar as palavras ao pé da letra, por sua ingenuidade e sua ignorância, que Das Dores não compreende o padre e pensa que ele pode estar errado: “pela primeira vez na vida duvidou”. Ao mesmo tempo, a história demonstra a dificuldade de parte da população, simples e pobre, para com a linguagem.

REFERÊNCIAS

LOBATO, Monteiro. Cabelos compridos. Disponível em: <https://tessellatedhearts.wordpress.com/2012/02/20/cabelos-compridos-monteiro-lobato/>. Acesso em: 14 set. 2018

Barakamon: leveza, profundidade e beleza

Escrito e desenhado por Satsuki Yoshino, Barakamon é um mangá que teve sua animação em 2014, produzida pelo recente estúdio Kinema Citrus, mais conhecido agora, por causa do anime Made in Abyss, destacado por muitos como o melhor da temporada de 2017.

O anime de Barakamon conta com 12 episódios, além de um spin-off chamado Handa-kun, de 2016 (produzido pelo estúdio Diomedéa), também de 12 capítulos, que aborda a infância do protagonista, mas o presente texto discutirá apenas sobre a série de 2014, Barakamon.

A obra, que oscila entre o slice of life e a comédia, tem como protagonista Handa Seishu, um calígrafo jovem e promissor, vencedor de alguns prêmios da arte da bela escrita, o que lhe dá um ar de arrogância, que logo no primeiro momento do anime é dissipado, quando um dos jurados diz que a letra de Handa não traz nada novo, apenas segue modelos tradicionais, e lhe pergunta se o autor já havia tentado escalar “o muro da mediocridade”, ao que o protagonista não aceita e agride o velho senhor.

É importante ressaltar essa fala do jurado, porque Barakamon é muito coeso entre a linguagem verbal e a não-verbal, o que é um ponto muito positivo na obra. Depois do ocorrido, o pai de Handa, um renomado calígrafo, envia-o para uma ilha, para que o filho descubra mais sobre a vida e sobre si mesmo. Lá, o protagonista é cercado por gente simples, mais velha, que nem usa a norma-padrão da língua e que desconhece a cidade grande, e muitas crianças, que são o fator cômico do anime e, metaforicamente, os responsáveis pela cor na vida e na obra de Handa. O calígrafo, ao chegar no local — e até mesmo o telespectador —, pensa que não aprenderá nada, o que não passa de um ledo engano.

A principal personagem dessa ilha, Naru, é uma menina muito engraçada e animada, que logo no primeiro episódio ensina uma lição muito bonita e importante a Handa e a quem assiste, e que possui total relação com a fala do jurado no começo do anime, tudo conduzido por belas cores e por uma linda trilha sonora. Falar mais do que isso sobre o mesmo capítulo pode diminuir a surpresa.

O segundo episódio apresenta outro personagem, um rapaz que só tira notas ruins na escola, embora estude demais e passe noites sem dormir. Ele leva uma refeição ao protagonista, que está dormindo, o que é motivo de sarcasmo do morador da vila: “Fica uma noite sem dormir e tem todo esse sono? Eu passo várias noites acordado e não fico assim. Vida de artista é diferente mesmo...”.

É um pensamento que parece válido, mas nem sempre o é. Naru, a menina extrovertida e intrometida, abre um armário e mostra ao rapaz o tanto de rascunhos que Handa fez durante a madrugada. Não era a intenção dela, mas o adolescente julgador, neste momento, percebe a besteira que estava falando sobre o calígrafo e sobre si mesmo, que apenas diz que estuda, mas que não se esforça de verdade; é por isso que suas notas continuam baixas, é por isso que não sente sono durante o dia, porque não passa horas da noite realmente desperto. Um detalhe: os rascunhos do protagonista estavam dentro de um armário, no escuro, não à mostra de todos. Apenas cada um sabe do seu trabalho e do seu esforço, é o que o personagem e o telespectador aprendem, além de que não basta talento na vida, como muitos pensam, principalmente sobre os artistas.

O terceiro episódio é interessante por causa de uma dupla de rimas. Logo no início, vê-se Handa finalizando um quadro escrito “Despreocupado”. As obras de caligrafia, ao menos no anime, são retratadas apenas como uma palavra ou uma frase, escrita(s) de forma única, com o intuito de passar o sentimento do momento e da mensagem no código linguístico.

A questão é que essa obra do protagonista não ganha o concurso ao qual concorre, e além de ser derrotado por um calígrafo mais jovem, Handa ainda perde para todos os velhos numa brincadeira da ilha (rima número 1), o que lhe frustra. Está, aí, então, uma contradição: o personagem principal não estava sendo sincero consigo mesmo quando escreveu “Despreocupado”, porque ainda estava orgulhoso de si. Talvez, este seja o motivo de ter perdido; talvez, este seja o motivo de muita gente perder(-se): levar-se demasiadamente a sério. É preciso ter paciência e humildade. Lição ensinada pelos simples moradores da vila.

Distintamente, outro personagem, que já havia aparecido desde o primeiro episódio, é apresentado mais a fundo. Tamako Arai, uma menina viciada em mangás, revela a Handa a sua paixão pela arte dos quadrinhos japoneses e a sua vontade de mudar a visão das pessoas, chocando-as, porque quando ela era jovem, também teve sua visão mudada através de uma cena chocante que viu num mangá. O curioso é que a moça quer revolucionar a arte com o seu trabalho, enquanto o calígrafo ainda não apresentava nada de novo, apenas seguia a tradição. Ainda assim, Tamako, ao emprestar o seu próprio quadrinho para Handa, entrega-lhe diversos outros, para que o protagonista entenda a obra dela, isto é, as referências que a aspirante a artista também segue — entre elas, Soul Eater e FullMetal Alchemist, dois grandes nomes da cultura pop japonesa, dos animes e mangás (rima número 2).

Uma das lições básicas da história e que também é, de certa forma, um clichê dos animes, em razão da sociedade nipônica, de seus costumes e valores, é sobre o esforço e o treino. Num dos episódios, a turma de Handa pede-lhe para ensinar caligrafia, ao que o mestre ensina o básico da arte e pede para que todos repitam a mesma frase até ela apareça e soe como da maneira desejada, mas os jovens acham uma tarefa chata — o que de fato o é — e perguntam se não há um truque, se ele não pode lhes ensinar o seu estilo pessoal, tal como os quadros que mantém escondido. Enquanto isso, ao fundo, às escuras, é mostrada uma das obras do protagonista, “Nulo”. Nada mais coerente, posto que o próprio calígrafo ainda não tem um estilo próprio, por isso está na ilha, para se descobrir, porque, por enquanto, ele mesmo se considera nulo.

Ainda nesse episódio, há um diálogo bonito e reflexivo, quando Handa diz que não pode mostrar os seus quadros que estão escondidos, tanto porque ainda estão em desenvolvimento, quanto porque não foram reconhecidos. A pergunta e a resposta de uma das crianças: “Reconhecidos por quem? Para mim, está muito bom”. Quantas pessoas escondem as suas qualidades e habilidades porque não foram reconhecidas por um ou outro alguém, enquanto a maioria aos seus redores admira-as? Quantas vezes o trabalho da subjetividade do autor é rebaixado por ele mesmo, por causa da interpretação, frequentemente também subjetiva, dos outros? Geralmente são essas negações da própria pessoa que tornam a sua obra nula.

Em diversos momentos, em diferentes capítulos, o cenário, além de deixar a imagem mais bela, revela situações e sentimentos dos personagens, o que é muito comum na arte cinematográfica. Há um episódio, por exemplo, em que aparecem vários girassóis, flores (que por si só já significam a beleza e a juventude) que “seguem o sol”; ao mesmo tempo, surge um fã de Handa, aquele personagem mais jovem que ganhou do protagonista no último concurso de caligrafia, o que cria uma rima de imagem: o personagem principal procura uma luz na ilha, busca um sol, ao mesmo instante, ele é o sol daquele fã, que pretende alcançá-lo e trazê-lo de volta ao seu posto de primeiro lugar...

(A opção da câmera, de baixo para cima, mostra a arrogância do jovem calígrafo, ao mesmo tempo, deixa Handa maior do que o fã.)

O diálogo entre os dois é muito bonito e mostra a evolução de Handa, que era como o jovem que lhe segue, que, por sua vez, antigamente, apenas seguia seu pai... O desejo do protagonista, de criar algo novo, de ser único, lembra muito uma epígrafe do poeta brasileiro Mario Quintana sobre a arte da poesia: “Ser poeta não é dizer grandes coisas, mas ter uma voz reconhecível dentre todas as outras.” (QUINTANA, 2003, p. 76). Pode-se aplicar o mesmo pensamento à caligrafia, que não se resume a “escrever de forma bonita”.

Todos os episódios são bem estruturados, fechando bem o ciclo que iniciam. Um deles, por exemplo, começa de manhã, com o calígrafo regando os girassóis e se perguntando sobre quem foi que os plantou, depois o foco é mudado para o aniversário de Naru, a menina sapeca que vive seguindo o protagonista, por fim, o último ato do capítulo é sobre o aniversário de morte da avó de Naru. Há uma ordem coesa no episódio: inicia-se pela manhã, com os girassóis, símbolos da beleza e da juventude, passa para o aniversário da personagem mais nova da história, à tarde, e termina com a cerimônia da morte de um antepassado da menina, à noite. Lembra-se do questionamento de Handa no começo do capítulo: “Quem será que plantou esses girassóis?” Ele também não havia se perguntado sobre o passado da própria Naru, tal como os espectadores que não conhecem, muitas vezes, a origem daquilo ou de quem lhes cerca.

Para finalizar, é necessário mostrar, concretamente, a influência dos cenários, da utilização de quadros diferentes quando os personagens discordam. Veja, por exemplo, após essa bela resposta de Handa, iluminado, com os girassóis atrás de si, o isolamento do seu fã (e também calígrafo) dentro de um quadrado, enquanto o protagonista passa por ele.

(Este diálogo é a prática de uma lição que Handa aprendeu na ilha, sobre ceder o "seu" lugar a quem, no momento, parece ser melhor.)

Ou então, observe a simetria dos girassóis ao fundo, quando o protagonista e um rapaz da vila (aquele que dizia que estudava demais e só tirava nota ruim) trocam os seus pratos, mas em seguida, quando um critica a refeição feita pelo outro, o ângulo da câmera coloca-os separados por uma coluna, a mesma que isolou o fã de Handa.

 (Antes de provarem a comida, um fundo plano, colorido e simétrico.)

 (Depois de terem provado e discordado, o foco é em diagonal e uma coluna separa os personagens.)

Em outro momento, quando estão reunidos quatro personagens (o pai, a mãe e um colega de Handa), três querem a mesma coisa, e embora estejam em posições diferentes, todos aparecem dentro de um mesmo quadro, enquanto o discordante (no caso, a mãe do protagonista), em outro; porém, quando o amigo do calígrafo começa a pensar como a mãe do personagem principal, a câmera muda de lado e mostra outra coluna separando Handa e o companheiro, e, por fim, este ao lado da mãe do calígrafo, dentro de um único quadro. Veja as relações abaixo:

 (Os três no quadrado à esquerda desejam o mesmo objetivo, a mãe, discordante, isolada num quadrado à direita.)

 (O amigo começa a discordar do protagonista e a câmera mostra-os de outro ângulo, separados por uma coluna.)

(O amigo assume que está ao lado da mãe, os dois ficam dentro do quadrado à direita, enquanto o pai, ainda de acordo com o filho, à esquerda.)

Em suma, Barakamon é um excelente anime, leve, belo e profundo, que, se não ensina nada novo, relembra lições importantes que podem ter sido esquecidas ou que não foram levadas a diante. Há diversas metáforas, momentos cômicos e reflexivos, que o autor deste texto não quis relatar, para não diminuir (mais ainda) a graça da obra para quem não a viu. O único problema do anime é uma cena que se passa por cômica, mas que é desnecessária, uma piada de “duplo” sentido vivida por crianças... Quem assistir perceberá e reagirá. A trilha sonora é bonita e relaxante, pois combina com aquele ambiente infantil; as cores são vivas, expressivas; os personagens secundários, embora não sejam tão bem trabalhados, evoluem com o passar dos 12 episódios. Ao todo, um trabalho bem feito, altamente recomendado para fãs de animações japonesas, coerente entre forma e conteúdo, grande demais para ser reduzido a este texto.

REFERÊNCIAS

QUINTANA, Mario. Caderno H. 9 ed. São Paulo: Globo, 2003.